Ακόμη και σε εκθέσεις αφιερωμένες σε γυναίκες καλλιτέχνες, συχνά συνδέονται με τους άνδρες που γνώριζαν – αλλά όπως θα αποκαλύψει μια ματιά σε οποιαδήποτε γκαλερί, δεν συμβαίνει ποτέ το αντίθετο
…
Όταν μόνο το 1% της συλλογής της Εθνικής Πινακοθήκης αποτελείται από έργα τέχνης από γυναίκες. όταν ένα έργο από μια γυναίκα κοστίζει μόλις το 10% από αυτό ενός άνδρα· όταν η έκθεση Burns Halperin του 2022 διαπίστωσε ότι το 11% των εξαγορών και το 14,9% των εκθέσεων σε 31 μουσεία των ΗΠΑ μεταξύ 2008 και 2020 ήταν έργα καλλιτεχνών που προσδιορίζουν γυναίκες (και το 2,2% ήταν έργα μαύρων Αμερικανών καλλιτεχνών), ενώ ο όγκος των εξαγορών από γυναίκες κορυφώθηκε το 2009· τι λέει αυτό για την κατάσταση της τέχνης σήμερα; Η ανισορροπία στην τέχνη λειτουργεί ως μικρόκοσμος για τον τρόπο που δίνουμε αξία στα φύλα στην κοινωνία. Και υπογραμμίζει τον όγκο της δουλειάς που πρέπει να γίνει.
Έτσι με εξέπληξε το γεγονός ότι όταν επισκέφτηκα το Action, Gesture, Paint: Women Artists and Global Abstraction 1940–70 στη Γκαλερί Whitechapel στο Λονδίνο, πέντε από τις 86 σύντομες ετικέτες 50 λέξεων έκαναν αναφορά σε άνδρες καλλιτέχνες, συμπεριλαμβανομένων των συζύγων της Elaine. de Kooning, Anna-Eva Bergman και Lilian Holt. Αν και αυτό ήταν ένα μικρό ποσοστό, με έκανε να σκεφτώ ότι οι εκθέσεις εξακολουθούν να διαμορφώνουν τα συμφραζόμενα των γυναικών καλλιτεχνών σε σχέση με τους άνδρες που γνώριζαν και αναρωτιέμαι αν αυτή η αφήγηση μπορεί ποτέ να αλλάξει.
Αυτό δεν είναι για να στοχεύσουμε τη Whitechapel. Είναι σπάνιο να διοργανώνονται ακόμη και εκθέσεις αποκλειστικά για γυναίκες, ειδικά μετά από αιώνες ανδρικών παραστάσεων που ποτέ δεν επισημαίνονται ως τέτοιες.
Οι εκθέσεις εξακολουθούν να ενσωματώνουν τις γυναίκες καλλιτέχνες σε σχέση με τους άνδρες στη ζωή τους. Μπορεί ποτέ να αλλάξει αυτή η αφήγηση;
Αφού ξεκίνησα μια συζήτηση σχετικά με αυτό στα μέσα κοινωνικής δικτύωσης, η Laura Smith, η επιμελήτρια της Whitechapel, μοιράστηκε το σκεπτικό της. Στο παράδειγμα της Βρετανίδας ζωγράφου Holt, τέσσερις άντρες καλλιτέχνες συμπεριλήφθηκαν στην ετικέτα για να δείξουν πόσο απομονωμένη στο φύλο της ήταν και πώς γράφεται πάντα η ομάδα Borough, της οποίας ήταν μέλος, σε σχέση με τους άνδρες που περιλαμβάνονται στο αυτό, παρά εκείνη. Η γκαλερί μου είπε ότι πρόκειται να δημιουργήσουν ένα πάνελ στην αρχή της έκθεσης που θα περιγράφει την επιμελητική τους λογική για αυτές τις ετικέτες, μαζί με περαιτέρω πρωτοβουλίες που διατυπώνουν ακόμη.
ΗWhitechapel είναι πιο προοδευτικό από άλλα ιδρύματα του Λονδίνου. Επισκεπτόμενος την Εθνική Πινακοθήκη αυτή την εβδομάδα, διαπίστωσα ότι από τα σοκαριστικά χαμηλά έξι έργα γυναικών σε ολόκληρο το μουσείο, δύο αναφέρουν άντρες καλλιτέχνες στις ετικέτες τους με 50 λέξεις. Στα 22 έργα που προβλήθηκαν από τους αναφερόμενους άνδρες καλλιτέχνες (Frans Hals και Peter Paul Rubens), δεν υπάρχει ούτε μία αναφορά για τις γυναίκες καλλιτέχνες στη ζωή τους (Judith Leyster και Élisabeth Vigée Le Brun). Υπάρχουν μόνο εννέα γυναίκες καλλιτέχνες σε ολόκληρη τη συλλογή.
Στην Tate Britain, 12 από τις ετικέτες σε έργα γυναικών καλλιτεχνών αναφέρουν άνδρες. Όπου η ετικέτα του Marlow Moss αναφέρεται στον Piet Mondrian, δεν υπάρχει καμία αναφορά στον Moss στις ετικέτες ενάντια στο έργο του. Ομοίως, στο επιτοίχιο κείμενο του Ντιέγκο Ριβέρα στην Tate Modern, η Φρίντα Κάλο δεν κατονομάζεται – μια σημαντική απουσία καθώς δεν υπάρχουν έργα της Κάλο στις δημόσιες συλλογές του Ηνωμένου Βασιλείου.
Η Dorothy Price, επιμελήτρια του Making Modernism –μια πρόσφατη έκθεση αφιερωμένη σε γυναίκες καλλιτέχνες του γερμανικού εξπρεσιονισμού στη Βασιλική Ακαδημία του Λονδίνου– μου είπε: «Θα πρέπει πρώτα να τις διαμορφώσουμε ως καλλιτέχνες – πού εκπαιδεύτηκαν, τι έφτιαξαν και πώς επαναβαθμονομούνται τα έργα τους τις αντιλήψεις μας για μια χρονική περίοδο; Είναι χρήσιμο να τα προσεγγίζουμε σε σχέση με τους άντρες ομολόγους τους, εάν έχει διαφορά στο πώς κατανοούμε το έργο τέχνης τους. Αν δεν το κάνει, τότε είναι άσχετο».
Το πλαίσιο είναι το κλειδί: υπάρχουν ορισμένες περιπτώσεις που μπορεί να είναι σωστό να συζητήσουμε τη Λι Κράσνερ σε σχέση με τον σύζυγό της, Τζάκσον Πόλοκ – μία είναι ότι ο θάνατός του το 1956 της επέτρεψε να μετακομίσει στο μεγάλο του στούντιο, επιτρέποντας στη δουλειά της να επεκταθεί σε μεγαλύτερο βαθμό (πριν από αυτό, ήταν περιορισμένη στην χωριστή κρεβατοκάμαρα). Αλλά δεν είναι σωστό να αναφέρουμε πρωτίστως τις γυναίκες ως τη σύζυγο, τη μούσα, την κόρη ή τη γνωριμία του.
Πώς μπορούμε λοιπόν να τα καταφέρουμε καλύτερα; Μίλησα με την καλλιτέχνιδα Victoria Cantons η οποία ρώτησε: “Γιατί πρέπει να τονιστεί το φύλο;” Αναγνώρισε ότι «μπορεί να είναι χρήσιμο να μοιραζόμαστε πληροφορίες για τα άτομα με τα οποία το υποκείμενο μπορεί να είχε σχέσεις». Αλλά αναρωτήθηκε επίσης «αν ο κόσμος της τέχνης έχει πράγματι ένα θέμα με την τέχνη που αναδεικνύει την ανθρώπινη εμπειρία μέσω ενός φίλτρου που δεν είναι cisgendered (συμφωνεί με το φύλο που διαπιστώθηκε τη στιγμή της γέννησής) ή δυαδικό; Αυτό φαίνεται να απέχει πολύ». Η δύναμη της τέχνης είναι να λέει ιστορίες πέρα από τα δυαδικά στοιχεία του φύλου.
Η Cantons λέει: «Πηγαίνετε σε μουσεία σε όλο τον κόσμο και θα δείτε έργα που αφηγούνται ιστορίες για τον έρωτα, την απώλεια, τον θάνατο, την πολιτική, το AIDS, τη φυλή, την προσφυγική κρίση, συνέχεια. Αυτές είναι ανθρώπινες ιστορίες και πρέπει να συνεχίσουμε να τις λέμε. Όσο περισσότερες πτυχές του εαυτού μας έχει η ανθρωπότητα την ευκαιρία να εξερευνήσει, τόσο καλύτερα μπορούμε να γνωρίσουμε τον εαυτό μας».
Πάνω από όλα, το έργο τέχνης προηγείται της ετικέτας. Ο καλλιτέχνης προηγείται του φύλου τους. Αλλά όταν πρόκειται για αναπαράσταση, τα κυρίαρχα μουσεία πρέπει να αξιολογούν κριτικά τις αφηγήσεις που επιβάλλουν στους επισκέπτες τους. Μόνο όταν βλέπουμε την τέχνη και μια αφήγηση της τέχνης που λέγεται από ένα ευρύ φάσμα ανθρώπων, μπορούμε να δούμε την κοινωνία να αντικατοπτρίζεται ως σύνολο.
*Φωτογραφία εξωφύλλου: Το πλαίσιο είναι το κλειδί… έχει σημασία ότι ο Lee Krasner (που εμφανίστηκε στην παράσταση Action, Gesture, Paint στο Whitechapel) ήταν παντρεμένος με τον Jackson Pollock; Φωτογραφία: Stephen Chung/Alamy